Dansle catalogue des titres troyens, bien répertoriés par A. Morin, c'est moins de 24 livrets sur 1389 qui relèvent du rire poissard ou burlesque, mais si l'on ouvre le compte à la satire morale, à celle des conditions sociales, on passe de 1,7 % à près de 10 %, si l'on ajoute une part du théâtre comique et de la chanson, c'est sans doute plus de 200 titres qui intéressent la Voltaireet Jacques Sternberg font valoir les travers de leur société, par le biais de personnage fictif. Il faut aussi prendre en compte l’idée que nous sommes un Autre pour l'Autre, et que par conséquent, on n’est jamais aussi objectif à propos de soi qu'à propos d'une personne étrangère. Ilest la répétition inversée de la vie de tous les jours, dans le renversement de ses hiérarchies, l'inversion de ses valeurs, le retournement de ses grandeurs. Et le fou devient pape, et le bouffon devient roi. Le carnaval est l'autre vie du peuple, sa vie grotesque, fondée sur une seule loi : la liberté. Rireet initiation Sous le pavé la plage; Tais-toi et taille; Variations sur l’opacité; Variations sur le coq et la chouette; Variations sur le Tronc de la Veuve; Festival d’humour maçonnique d’Aix en Provence. 1er Festival d’Humour Maçonnique 2011. Attaques contre le festival. Réactions aux attaques; Images du 1er Festival Ellec'est La charmante #sabrina l'une de nos membre de ce groupe Aujourd'hui c'est son #anniversaire ! un souhait de ta part lui fera plaisir #bon anniversaire à toi #brina Q ue tous les Toto Le Roi Du Rire | Elle c'est La charmante #sabrina Lechâteau est resté le siège du gouverneur de la province, une des fonctions les plus prestigieuses de l'ancien Régime parce que tous les ans il y avait les assemblées pleinières avec des réceptions en grand costume, des messes et de somptueux dîners. Foix était une petite capitale de province. En 1790, c'est Foix qui a été retenue malgré les revendications de Lapremière définition qu’il en donne est celle du katagelos, un rire empreint de mépris qui statue de la supériorité de l’esprit fort sur la naïveté des crédules, privilégiant ainsi un petit nombre de happy few. 6 Critique des modèles environnants, le rire libertin est ainsi conçu comme un moment négatif de la pensée. MnGdwEQ. 1Cinéaste d’Accatone, de La passion selon Saint-Matthieu ou d’Œdipe roi, Pasolini n’a pas l’image d’un cinéaste comique, même si ses adaptations, connues sous le nom de Trilogie de la vie, du Décaméron, des Contes de Canterbury et des Mille et une nuits montrent assez qu’il existe chez lui un tropisme qui le pousse vers la truculence, le comique. Le rire ou la capacité de rire ne pourraient-ils être le dépassement d’une conception tragique de l’existence ? Ne pourraient-ils permettre de prendre du recul par rapport au vécu ? Ne pourraient-ils enfin se confondre avec la capacité d’adhérer à une vie incluant la mort ? 2Bien que Pasolini soit catalogué comme un cinéaste tragique, la place donnée au comique, au rire est pourtant essentielle dans son œuvre. Cette veine comique est particulièrement importante dans les années soixante. Amorcée explicitement dans La Ricotta 1962, elle se poursuivra au cours de la décennie à partir de la rencontre de deux acteurs que Pasolini fera fonctionner comme un couple de clowns Totò et Ninetto Davoli. Ce couple, à la fois poétique et structurel, se retrouve pour une véritable trilogie comique Uccellacci e uccellini, La Terra vista dalla luna et Che cosa sono le nuvole ?. Dans le générique à la fois écrit et chanté du premier de ces films, Pasolini présente le couple, non en tant que personnages mais en tant qu’eux-mêmes, acteurs et personnes l’absurde Totò, l’humain Totò, le fou Totò, le doux Totò » et l’innocent, le malin, un petit peu fourbe Davoli Ninetto » vont être entraînés dans la triste ronde, dans la joyeuse ronde » qu’est la vie et qu’est le film. Tristesse et joie co-présentes dans une même ronde. Le générique de Uccellacci e uccellini donne ainsi une direction à notre analyse, mais notre travail s’arrêtera avant tout sur le dernier film qui réunit Totò et Ninetto Davoli. En effet Che cosa sono le nuvole ? porte très loin la question de la relation comique/tragique et la question du rire ou plutôt des différents types de rire, aussi bien dans la vie que dans l’art et plus profondément peut être la question de la relation entre tristesse et joie. 1 Ce texte inachevé, écrit à New-York en août 1966, peu de temps après la présentation d’Uccellacci ... 3Ce sont certainement les relations complexes entre ces deux sentiments qui expliquent pourquoi Pasolini lui-même a des doutes quant à sa capacité à faire œuvre comique. Dans Who is me / Qui je suis. Pœta delle ceneri / Poète des cendres1, il avoue, revenant sur la période de misère qu’il a vécue avec sa mère, à Rome, après avoir fui le Frioul moi je vivais comme peut vivreun condamné à morttoujours avec cette pensée comme un fardeau- déshonneur, chômage, mère en fut réduite pendant quelque tempsà faire la moi je ne guérirai plus de ce que je suis un petit-bourgeois,et que je ne sais pas sourire comme Mozart...Dans un film- intitulé Des Oiseaux, petits et gros –j’ai essayé, c’est vrai, de faire œuvre comique,suprême ambition pour un écrivain,- mais je n’y ai réussi qu’en partieparce que je suis un petit-bourgeoiset que j’ai tendance à tout dramatiser. 4Il me semble toutefois que dans sa trilogie comique », Pasolini est arrivé à surmonter cette tendance à tout dramatiser, et à joindre le sourire de Mozart et le rire populaire. Je pense qu’il y est parvenu car il n’a pas rompu avec l’héritage comme certaines avant-gardes, ni joué formellement avec des collages post-modernes de cet héritage. Pasolini est un héritier assumant l’héritage jusque dans la modernité, mais un héritier critique, d’une tradition européenne, s’enracinant dans l’antiquité gréco-latine et judéo-chrétienne, dans la période médiévale, la Renaissance et l’âge baroque, jusque dans ses avatars modernes. Cet héritage est revivifié par son expérience de la campagne frioulane et des marges populaires de Rome qui gardent encore des liens avec les racines premières de cette longue tradition... Ces liens permettront au petit-bourgeois » de tenter de faire œuvre comique », et ainsi de poursuivre la suprême ambition » qui caractérise l’artiste. 5La tradition européenne a d’abord informé son style à partir du choix de la parodie ; Pasolini exhibe souvent ses sources, mais en jouant sur les distorsions, les oppositions. Dès ses premiers films, il passe de la parodie sérieuse qui crée des tensions dans l’œuvre par le montage audio-visuel Bach et la modernité quart-mondiste d’Accatone, par exemple au burlesque, à la farce qui parodie ouvertement les références. Pasolini, toutefois, n’oublie jamais que la question du rire est existentielle, que le rire n’est pas nécessairement le dépassement du tragique mais peut être sa dégradation nihiliste, alors qu’une autre voie est possible, à partir du tragique, de la nostalgie, de la mort ou de la douleur, celle qui ouvre sur le rire émerveillé ou le sourire, celle qui ouvre à la joie. Cette joie jaillit non d’un dépassement dialectique du tragique mais au cœur ou au creux même des tensions terribles qui traversent les hommes. 2 Pour la filmographie de Pier Paolo Pasolini, consulter l’ouvrage de Hervé Joubert-Laurencin, Pasol ... 6Dans Che cosa sono le nuvole ? Qu’est-ce que les nuages ? 1967-68 Pasolini approfondit la réflexion sur la recherche de la vérité amorcée, sur le mode picaresque, dans Uccelacci e uccellini Des oiseaux petits et gros 1966, puis continuée, sur le mode burlesque, dans La Terra vista dalla luna La Terre vue de la lune 1966 sur le secret de la vie et de la mort2. 7Mais y a-t-il une vérité ? Si l’on perçoit un secret répondant aux interrogations, en parler n’est-ce pas en perdre même la sensation ? Ne pas se laisser troubler par tout ce qui semble montrer une voie, surtout pas par les paroles péremptoires des bavards impénitents que sont les donneurs de leçon, ceux qui croient détenir la vérité... Se tenir au plus près de la réalité dans Uccelacci e uccellini, le corbeau, maître de la parole, même s’il est le sceptique qui doute et qui questionne n’en est pas moins un donneur de leçons ; il finira dans l’estomac de Totò et Ninetto. Rien ne vaut tant que la leçon de la fin –de la faim–, simplissime et drôle. Le conte philosophique qu’est Uccellacci e uccellini n’est philosophique qu’au sens de certaines lumières du XVIIIe siècle, celles d’une philosophie qui questionne la métaphysique et la morale, qui questionne la Foi. Cela ne va pas parfois sans quelque regret, et l’épisode médiéval est éclairant sur ce plan-là. En ajoutant sa petite fleur aux Fioretti Pasolini rend hommage à l’idéal franciscain, mais l’admiration pour le pauvre d’Assise n’en relève pas moins d’un certain comique cervantesque. On peut aimer Don Quichotte et en sourire ou en rire ; on peut trouver que, si la voie de François est poétiquement admirable, elle se heurte à la réalité de la nature des oiseaux, petits ou gros. François lui-même, dans le film, tentera de passer du prêche poétique à une analyse ouvrant sur une action politique faisant écho à la théologie de la Révolution. La voie de la sainteté est sans mesure, elle permet l’itération perpétuelle du prêche en espérant le miracle, cette ouverture dans le temps, mais déjà au Moyen Âge les gros mangent les petits qui eux-mêmes se querellent. La sainteté reconnue par le peuple ouvre la voie aux marchands du Temple et les efforts pour les chasser de Frère Cicillo, interprété par Innocenti Totò, devient, par la force du temps, comique de répétition et jeu carnavalesque. L’acte de violence sacrée s’est dégradé en farce, même si le spectateur en perçoit encore les vibrations. Cet épisode inclus dans la modernité de la fiction de premier niveau est éclairé par celle-ci. L’espace médiéval est déjà en ruine il est une trace dans le temps de ce qui a été, un reste de la beauté architecturale contemporaine de la quête de la sainteté franciscaine, une mesure dans l’Histoire. Il permet au conte de s’inscrire dans l’épaisseur du temps ; il est vu à partir du même espace / temps que celui des quartiers déshérités, d’une bretelle d’autoroute en construction, d’un espace suburbain inhabitable où la nature est devenue friche, où l’espace encore paysan, mais certainement bientôt abandonné, s’étale entre un chemin pour putains et une piste d’aéroport, un lieu pour satisfaire encore des besoins scatologiques et sexuels. Raconté par le corbeau, le message christique du conte franciscain, relu à la lumière de Marx, ne peut qu’être source d’un comique lucide et désespérant. 8Est-il possible de croire encore en des utopies, même politiques, de les entrevoir ? Seule la réponse du corps à ses besoins immédiats –avoir faim ou avoir envie de baiser par exemple– peut être entendue par Totò et Ninetto immédiateté du moment qui laisse en suspens un avenir possible, mais qui permet encore à la vie de circuler. Y a-t-il plus belle fin pour le corbeau, à la fois mécanique et mélancolique, qui tente de prêcher la bonne parole révolutionnaire et critique à nos deux innocents, que de finir rôti ? Auto-portrait plein d’auto-dérision que celui de Pasolini en corbeau intellectuel. Mais le cinéaste poète, lui, accompagne nos deux funambules qui s’enfoncent, comme Charlot et Colette Godard, dans un espace peut-être encore plus inhabitable que celui filmé par Chaplin dans Les Temps modernes... Toutefois, au-delà du rire et de la cruauté amère et désespérée, la tendresse que le cinéaste et le spectateur vouent aux personnages, fait de l’œuvre un lieu habité. Mais cette tendre amertume ne caractérise-t-elle pas pour Pasolini l’échec relatif à faire œuvre comique ? Le couple Totò et Ninetto l’incitera pourtant à persévérer dans cette voie. 9Dans La Terra vista della luna, Totò et Ninetto se retrouvent à nouveau en couple burlesque père/fils dans l’espace suburbain de Rome. La fiction, irréaliste en apparence, touche au plus près du vécu des rapports affectifs et/ou sexuels. La banane blonde du fils et la perruque rouge du père, leur démarche respectivement dansante ou faussement mécanique traversent le film où tous les possibles des désirs peuvent s’exprimer. Pasolini tourne en dérision l’inconscient freudien, nous fait rire de nos pulsions et nous fait rêver de la réalisation possible du réel que nous portons en nous. Épisode d’un film à sketches comme c’était la mode à cette époque-là dans la production italienne intitulé Le Streghe Les Sorcières, La Terra vista della luna ne raconte pas une histoire de sorcière mais une fable féerique qui transfigure sans la défigurer la réalité. Comme Le petit Poucet renvoie à un univers social aussi dur que celui que Vauban décrit dans La Dîme royale, le film de Pasolini renvoie à la réalité sociale et politique de la Rome de son époque, en détournant les codes du cinéma néo-réaliste et en les croisant avec le burlesque, selon une poétique du réel qui ne peut qu’habiter la fiction, la fable. Le jeu des acteurs met l’accent avant tout, derrière les maquillages et les costumes, sur la réalité des corps des acteurs, le grain de leur voix, le rythme de leur diction, qui accompagne le rythme des corps. Ainsi se marient dans leur personnage respectif les corps et les voix de Toto et de Ninetto Davoli sans eux le rire et le sourire ne pourraient pas surgir... Ils communiquent leur force comique, leur énergie dansante à tous les autres acteurs, comme Sylvana Mangano –combien discrète– ou Laura Betti déguisée en touriste accompagné de sa femme, qui est un homme déguisée en femme. Pasolini joue sur l’inversion carnavalesque de type populaire, s’amuse des clichés machistes Sylvana Mangano, qui figure la seconde épouse, est l’épouse idéale puisqu’elle est belle, et sourde et muette ! ! ! Elle est parfaite au logis, et se prête à toutes les combines que le père et le fils inventent pour s’en sortir, et en particulier à un simulacre de suicide –il s’agit de récolter de l’argent de touristes émus de la misère de cette pauvre femme– en se jetant du haut du Colisée... Ce sera sans succès, mais à la fin de l’épisode Assurdina Cai succombera véritablement en glissant sur une peau de banane. La situation la plus éculée comme déclencheur du rire vire à la farce cruelle. Mais la cruauté ne s’exerce pas sur les personnages... Elle naît de la distance interstellaire qui permet de juger, d’en haut, une situation réelle cruelle, de faire du rire un instrument du jugement politique et du sourire l’expression de la tendresse que l’on peut porter aux personnages qui traversent le film, à commencer par les Miao, père et fils... Et Assurdina morte, après l’enterrement, elle reviendra en fantôme bien en chair reprendre son rôle de fée du logis auprès des Miao, père et fils. De toute façon, vu de la lune, comme l’inscrit le carton final Être mort ou vivant, c’est du pareil au même ». 10Si les deux premiers films avec Totò et Ninetto Davoli sont ancrés dans la tradition comique italienne, ils s’inscrivent dans un espace plus large qu’on pourrait assez facilement référer à l’espace européen le comique picaresque, le conte philosophique du XVIIIe siècle, la farce, l’apologue, mais aussi les formes comiques plus populaires du cirque, du music-hall et du cinéma burlesque d’un Chaplin repeint, en parodiant le pop-art, aux couleurs criardes du monde contemporain. 11Le film clôturant la trilogie du couple Totò et Ninetto poursuivra plus en profondeur, sous la simplicité apparente de la fable, l’exploration de toutes ces catégories qui déclenchent le rire. 3 Pour l’intertextualité, le chapitre de Pasolini portrait du poète en cinéaste, cité dans la note ... 4 Véritablement chrétienne, comme Polyeucte de Corneille ou Le véritable Saint-Genest de Rotrou, ell ... 12Dans Che cosa sono le nuvole ?, pour la troisième et dernière fois, le cinéaste retrouve le couple comique » et poétique » formé par Totò et Ninetto Davoli. Il s’agit maintenant de percer les secrets du rapport de la vie et de l’art, de l’énigme des destinées et peut-être du secret de la création... Le questionnement et les intertextes3 avec lesquels Pasolini écrit son film semblent renvoyer à une conception tragique de l’existence en effet, dans Qu’est-ce que les nuages ? Pasolini revisite Othello à la lumière de La Vie est un songe et de l’œuvre peint de Vélasquez ; mais il s’agit pour Pasolini de faire des relectures du tragique et de la mimêsis de l’âge baroque à partir du comique. Est-ce pour montrer une dégradation progressive de l’Art par rapport au siècle élisabéthain et au Siècle d’or ? Une dégradation vécue à la lumière d’une lecture biaisée des catégories de la Poétique d’Aristote l’univers tragique et la forme de la tragédie étant jugés comme supérieurs à l’univers comique et à la forme de la comédie. Mais peut-être cet âge baroque n’est-il pas aussi tragique qu’on voudrait bien le croire ne tourne-t-il pas le dos à la tragédie antique ou chrétienne4, ne poursuit-il à sa manière le courant comique de la fin du Moyen Âge et du début de la Renaissance ? L’âge baroque n’est-il pas l’âge de Don Quichotte, des premiers romans picaresques, des comédies de Shakespeare, et un peu plus tard de Calderón qui écrit aussi bien des Autos Sacramentales que des comedias aussi bien comiques que tragiques, l’âge encore des peintures de Vélasquez chez qui le tableau se fait scène, comédie de cour, comédie du peintre en grand courtisan, des grandes comédies de Corneille alors que la comédie italienne triomphe aussi sur les scènes européennes. L’œuvre comique, malgré certains doctes, plus particulièrement français, n’est pas dévaluée au profit du tragique. On retrouve donc ce courant dans la Trilogie de la vie. En effet, Pasolini, en conviant le spectateur à un spectacle populaire comique, celui de Pupi siciliens ou napolitains qui jouent Othello, paraîtra, par la farce et la caricature, dynamiter le tragique et réécrire, dans une dimension autre, la poésie de la pièce de Shakespeare. Mais Shakespeare n’est-il pas autant un grand comique qu’un grand tragique ? Dans Othello la tragédie domestique s’appuie sur un vieux fond comique, celui des fabliaux médiévaux et celui des historiettes de la Renaissance. 13En revisitant quelques grandes œuvres, dans un court-métrage de 22 minutes, Pasolini fait parcourir au spectateur, toute la gamme du rire européen, anglais ou espagnol, italien ou français, pour mieux l’entraîner, par le rire ou le sourire, vers la romance ou le pathétique de l’énigme de la vie et de l’art, et surtout vers le rire ébloui et le sourire épanoui devant la merveille, tout aussi énigmatique, qu’est la création. 14Le film s’ouvre sur un travelling d’accompagnement de deux marionnettistes dont le premier porte, soutenu par son second, une grande marionnette sur le dos ils viennent l’accrocher au mur de planches sur lequel se trouvent déjà accrochées de grandes marionnettes à fils, en costumes approximativement du XVIe siècle. Une seule place est libre ; la nouvelle marionnette sera suspendue là... recevant la vie de deux gifles amicales que lui donne son créateur. La marionnette s’anime d’un rire épanoui auquel répond le visage réjoui du marionnettiste. Discrète, la référence à Collodi n’en est pas moins présente. Comme Gepetto, le marionnettiste insuffle la vie à sa marionnette... et les marionnettes à fils qui forment la troupe sont toutes des marionnettes humaines, même si leurs poignets sont rattachés à des fils. Le rapport entre l’art et la vie est ainsi montré, en une naissance sous le signe de la joie et de l’étonnement. La nouvelle marionnette, jouée par Ninetto, dont le visage juvénile est peint en noir, ne comprend pas sa joie. Ce sera une marionnette au visage âgé, peint en vert, jouée par Totò, qui lui expliquera la cause de son contentement. Un lien se noue entre les spectateurs et ces deux personnages, accompagnés par le chœur des autres marionnettes lien de sympathie lié à celui de la joie d’être là, en vie. En ce prélude du film, la première leçon vient du commentaire de la marionnette âgée, au visage vert à l’exclamation de Ninetto Que je suis content ! », le premier commentaire est lui aussi exclamatif, mais l’exclamation introduit une fêlure nostalgique Tu en as de la chance » ; mais à la question plus directe de Ninetto —Pourquoi je suis si content ?— Totò répond Parce que tu es né ». 15La naissance est source de joie. Le souffle vital amène le sourire sur le visage des créateurs, sur la créature venant à la naissance, sur le visage de ses compagnons les plus proches, même si leur sourire est moins épanoui, car leur expérience leur a appris que la naissance va vers la mort, inclut la mort. La bande son le rappelle la chanson que l’on entend dès le premier plan, hors-champ, accompagne la naissance par une tonalité élégiaque, tant au niveau de la mélodie que des paroles. Celui qui chante est montré par un plan de coupe et le spectateur l’identifie comme un éboueur car il porte une poubelle avant que, dans le plan suivant, la marionnette de Ninetto ne pose la question sur ce qu’il entend et ne comprend pas. Là encore c’est la marionnette de Totò qui va l’initier à la vie. 16Totò et Ninetto reforment un couple celui qui sait, celui qui est innocent et doit apprendre. Mais Totò peut-il tenir le rôle du mentor ? En tout cas, c’est bien le rôle qui lui est dévolu par Pasolini quand les fils de la marionnette ne sont pas manipulés par le marionnettiste. Accrochés tout au long d’un mur de planches, ces marionnettes interprétées par des acteurs en chair et en os échappent, par leur visage, l’autonomie de leur mimique, leurs paroles, au rôle auquel ils semblent assignés par leur costume et leur maquillage. Le visage vert de Totò et le visage noir de Ninetto renvoient à la symbolique de rôles emblématiques de la comédie des humeurs, humeur bilieuse, humeur noire envie, jalousie, mélancolie, colère... mais renvoient aussi à la figure du maure joué par un acteur blanc, Othello, et à son âme damnée, Iago. Toutefois, pour l’instant, l’action de la fable n’a pas commencé. Ce qui se joue dans cette antichambre d’un théâtre de marionnettes est ce lien entre des acteurs qui sont avant tout des personnes le rôle est en accord avec l’être. C’est Totò, marionnette véritablement animée, et non Iago, qui parle à Ninetto qui vient juste de recevoir le souffle de la vie... Totò venu plus tôt que ce dernier à la vie peut lui communiquer son savoir, soutenu par l’accord de tout le chœur des marionnettes. Dès la première séquence, Pasolini confère une double dimension à ses personnages. 5 Le montage visuel de la micro-séquence d’ouverture, avec l’alternance des travellings d’accompagne ... 17Si l’œuvre s’ouvre sous le signe de la joie, du rire de l’être venant à la vie... la mort elle aussi est présente. L’explication de Totò sur le sens de la présence du chanteur à proximité d’oreille sonne comme la loi même de toute vie. Le jeu de Totò prête encore à sourire mimiques, voix, simplicité des paroles comme de la diction mettent à distance le pathos du chant et le tragique de la loi énoncée. Les autres marionnettes sont au courant. Ninetto, l’innocent, doit tout apprendre on naît, on meurt. Si le marionnettiste donne la vie, l’éboueur évacue le mort, comme tout déchet de la vie. Son rôle est simple il va et vient, charge et décharge les déchets... Et le spectateur comprend que Ninetto est né pour combler le vide laissé par un mort. La chanson dit sur le mode sentimental le triomphe de la male mort, cette mauvaise herbe, suave pourtant, car elle se confond avec l’amour, poussée par le vent vers le ciel, un ciel bien funeste, mais empreint de cette morbidesse qui fait le charme de la mélancolie maniériste5. 6 Pasolini a lu peu de temps avant le tournage le livre de Michel Foucault Les mots et les choses, d ... 7 Le titre du film La Terre vue de la lune dont la projection selon un procédé totalement anti-réali ... 18Et alors que la chanson se poursuit, la caméra quitte l’espace des marionnettes pour cadrer, en plongée, un sol poussiéreux, battu par le vent qui soulève des feuilles mortes. La caméra balaie l’espace une affiche traîne par terre, d’autres sont accrochées à une palissade ; toutes sont de grands posters défraîchis reproduisant des œuvres de Vélasquez ; toutes sont barrées de bandes de papier vert, jaune ou rouge annonçant des spectacles, celui d’hier, celui de demain ou prochainement, celui d’aujourd’hui. La caméra épouse un mouvement de hier vers demain pour revenir sur aujourd’hui où se joue Che cosa sono le nuvole ? regia Pier Paolo Pasolini ». L’annonce, sur de larges bandes de papier vert, est collée sur une grande reproduction des Ménines. Le dispositif de la signature du cinéaste, par sa simplicité, sa pauvreté qui renvoie aux tournées populaires, troupe de théâtre ou cinéma ambulants, joue en contraste humoristique avec le dispositif de Vélasquez où la signature se lit dans l’auto-portrait du peintre en majesté, maître de l’œuvre, certainement, puisqu’il l’a mise en scène, en s’y incluant... Par ce décalage, Pasolini met en scène ce qui pourrait être le commentaire du tableau6 regardant du côté des spectateurs et non du côté du sujet apparent, c’est-à-dire, comme tous les personnages regardant les commanditaires de l’œuvre, le roi et la reine, dont on aperçoit le reflet dans le petit miroir convexe qui restitue le quatrième mur ; le peintre n’est plus alors qu’un serviteur, même s’il arbore sur sa poitrine l’insigne de la croix de Malte qu’il a obtenue. La reproduction de Vélasquez est légèrement décollée du châssis sur lequel elle a été tendue. En bas, à gauche de l’écran, elle bouge légèrement, comme un rideau de scène ouvrant sur de l’obscur, du néant... et ce rideau est formé de la reproduction d’un morceau de la toile dont nous apercevons le châssis, toile qu’est censé peindre le peintre représenté. Les autres reproductions sont elles aussi ternies par la poussière ou déchirées par le vent ou les intempéries. Le mouvement d’appareil, l’angle de prise de vue, les œuvres inscrites dans un temps double –celui des œuvres de Pasolini et celui de l’Histoire de l’Art7– soulignent un processus d’entropie que redoublent les paroles de la chanson qui se poursuit. 8 L’Histoire du Roi Mage errant est bien un projet de Pasolini qu’il n’a pu réaliser ; le projet des ... 19Ce prélude au spectacle devient cinématographiquement l’équivalent des Vanités de l’âge baroque malgré la tension humoristique que nous avons soulignée, ce qui domine cette séquence est la Mélancolie. Cette dimension était présente dans la première séquence, mais elle est redoublée ici, accentuée encore par les titres La Terre vue de la lune qui a eu lieu hier », L’Histoire du Roi Mage errant –qui n’a donc plus d’étoile qui le guide, plus de bonne nouvelle– qui sera donnée demain » et Les Mandolinistes8 qui sortiront prochainement », et plus particulièrement par la question qui se pose aujourd’hui », suspens interrogatif du titre Qu’est-ce que les nuages ? 20Est-ce une question rhétorique désabusée portant sur ces éléments éphémères poussés par le vent ? Est-ce une référence au seul amour de l’Étranger dans le poème liminaire des Petits poèmes en prose de Baudelaire ? Seule la fin du film nous permettra de répondre à ces questions car pour l’instant, par un montage cut, sans transition, la caméra amène le spectateur dans une salle de spectacle à l’italienne réduite à son dispositif le plus dépouillé, car sans aucune fioriture une salle, une scène, un rideau, des coulisses et des cintres. Ce dispositif, le spectateur de cinéma le découvrira progressivement au cours du spectacle de pupi inclus dans le spectacle filmique. Ce spectacle dans le spectacle n’est pas le spectacle annoncé par l’affiche du prélude, qui est le titre du sketch inclus lui-même dans Caprice à l’italienne. La tension entre le titre poétique du film et celui de la forme caprice » incluant fantaisie et pour le spectateur français comique à l’italienne », renvoyant à une comédie de mœurs avatar fantaisiste du néo-réalisme, va s’accentuer et en même temps se dénouer formellement dans le spectacle de pupi évidemment attendu par le spectateur de cinéma depuis la première séquence. Un rideau sombre, d’un bleu nuit d’encre, s’ouvre le spectacle commence. Othello comédie des humeurs, farce tragique ? 21Deux pupi sont sur scène Totò au visage vert incarne l’envieux Iago, Ciccio Ingrassia, un Roderigo, long, l’air passif, prêt à se laisser contaminer par Iago. Les premiers rires à éclater sur scène sont ceux de Iago démesurés, sarcastiques, ils sont l’expulsion même des humeurs d’un corps enflé d’envie et de méchanceté. Le rire de Iago est le rire nihiliste de celui qui envie, qui cherche sa revanche dans la manipulation, qui rit de ses propres stratagèmes. Rires de supériorité, les rires de Iago sont l’extériorisation la plus physique du dégoût mêlé d’envie qu’il ressent face à l’expression de l’amour. Sa jalousie sociale face à la réussite d’Othello, à la nomination de Cassio est doublée par la répulsion/fascination qu’exerce sur lui le couple Othello-Desdémone. L’acte physique amoureux est cochon pour Iago, surtout quand c’est un noir qui le commet avec une blanche. Le racisme et la sexualité sont parmi les ressorts premiers de la mécanique du rire. Mais ici les rires de Iago sont manifestement trop négatifs pour entraîner l’adhésion du public. 22Iago est bien le maître de l’intrigue qui se joue sur scène mais cette intrigue est une farce, le stratagème mis en place est grossier. Si Iago se sent supérieur aux autres, le spectateur de théâtre se sent supérieur à Iago. Ce dernier est bien le méchant que le spectateur rejette, et les rires de Iago, ses mimiques dégoûtées ou satisfaites, provoquent les cris, les huées du public. Pasolini se sert de Totò pour revenir au vieux fond médiéval de la farce qui a nourri la nouvelle de Cinthio et la pièce de Shakespeare. Ce vieux fond médiéval alimente aussi, parce qu’elle le recoupe, une conception du personnage mue par différentes humeurs. Pasolini, en jouant sur les maquillages et le jeu des marionnettes reprend à son compte, mais en faisant certains écarts la comédie des humeurs de Ben Jonson. 23Tout le monde sait, et les spectateurs du théâtre de marionnettes les premiers, que la farce tournera au tragique. Iago est un monstre grossier, mais les autres se perdront dans ses stratagèmes. L’amour innocent entre Desdémone et Othello culmine dans la scène des cerises. L’artifice des marionnettes et de la scène fait ressortir la présence charnelle de l’échange des cerises la sensualité innocente se lit sur les visages, les sourires. La proximité de la bouche, des dents, de la langue amène alors le spectateur de cinéma à participer à l’allégresse des amants. La comédie se fait tendre. Le vivant est présent, derrière les maquillages, l’artifice de la scène. Le cinéma, par les plans rapprochés et les gros plans, saisit ainsi la possibilité d’une relation pleine des sentiments et des corps. Ce jeu d’amour amène le sourire sur les visages des personnages et des spectateurs. À cette scène répondront les minauderies de Cassio et de Bianca centrées sur un petit oiseau empaillé. Le comique, à nouveau, repose sur l’artifice opposé au vivant, sur le couple faux par rapport au couple vrai. Mais cette vérité, inconsciente, est fragile. 24Le pouvoir de Iago pourra s’exercer sur les autres parce qu’à un moment chacun des personnages se réduira à une humeur, un sentiment, un affect. Cette réduction est-elle inhérente au personnage ? Le fruit de la volonté du manipulateur de marionnettes ? 25Desdémone, à l’acte 3 et 4, régresse dans un infantilisme qui la réduit à l’état d’objet. Avec sa poupée, chantant une comptine, ou faisant sa petite prière, elle n’est plus que la caricature de l’innocence. Elle est prête à recevoir les gifles, puis la violence meurtrière d’Othello. Othello lui aussi a changé prisonnier de sa naïveté, il est incapable de saisir la méchanceté de Iago, et surtout de sentir qu’il porte en lui, comme Desdémone, des éléments négatifs dont a pu jouer Iago. Cette transformation du couple provoque évidemment les rires jubilatoires de Iago, et les réactions indignées du public. La relation entre la scène et la salle suit la montée de la farce jusqu’à son basculement tragique qui se jouera pourtant encore sur le mode carnavalesque. Le spectateur de cinéma peut continuer à rire ou à sourire à la fois de la montée des affects montrée d’une manière parodique et du spectacle de la salle... pourtant à la différence du spectateur de théâtre, il a en contrepoint une vision des coulisses. La dimension mélancolique répond à la farce tragique 9 Contemporaine du film, la pièce de théâtre intitulée Calderón, qui joue sur un dispositif théâtral ... 26La séquence des cerises a été comme un écho affaibli, dans le cadre de la comédie des sentiments, de la possibilité de la joie dans l’être là au monde, joie ressentie dans la séquence d’ouverture ; le montage en alternance du spectacle de la scène et de celui qui se déroule en coulisse permettra une réflexion mélancolique à partir des coulisses sur la comédie des passions qui se joue sur la scène. Othello, des coulisses, ne comprend pas ce qui se passe sur scène ni l’attitude de Iago, ni sa propre attitude. Stupéfaction, horreur, détresse. Le désarroi et les larmes. Othello voudrait comprendre. Iago lui livre quelques clefs. Le nihiliste envieux se transforme en tendre mélancolique Nous ne sommes que le rêve d’un rêve »9... Nous ne pouvons pas nous comprendre, à peine toucher à notre vérité par l’attention sensible portée à nos affects, mais cette vérité, fugitivement ressentie, échappe à tout discours. Subir alors ce que nous sommes, des marionnettes manipulées par un destin qui régit la comédie du haut des cintres ? Le maître du récit est le maître des destinées et celles-ci se confondraient avec ce qu’inconsciemment nous sommes ? Le dialogue entre Iago et Othello renvoie à La vie est un songe de Calderón et la pièce d’Othello, au théâtre dans le théâtre à l’intérieur du dispositif global du spectacle de marionnettes. Othello, Iago, Desdémone, tous doivent jouer leur rôle dans le spectacle qui s’est écrit à la fois avec eux et sans eux. Le dédoublement, le jeu avec les coulisses ne peuvent qu’amener un sourire nostalgique et attristé sur les lèvres de Iago et du spectateur de cinéma. Othello, des coulisses, pleure devant la méchanceté inexplicable de Iago et la sienne propre Pourquoi je suis méchant ? Mais pourquoi ? ». Les coulisses n’ont aucune prise sur la scène. La Mélancolie, la tristesse, face aux passions déchaînées par la structure même du drame sont impuissantes. La farce tragique doit se dérouler implacablement... Pourtant le metteur en scène de cinéma, l’auteur fait bifurquer le spectacle. 27Le spectacle des coulisses n’est pas vu par les spectateurs du spectacle de marionnettes. Ces derniers ne peuvent que participer de plus en plus bruyamment au drame des pupi. Comme dans tout spectacle populaire, ils prennent partie, tentent de dénoncer le méchant Iago et ses horribles stratagèmes... Mais Othello ne peut entendre les avertissements, insinuations et dénonciations. Comme dans la nouvelle de Cinthio, comme dans la pièce de Shakespeare, entraîné par l’esprit malin de Iago, Othello est dupe d’une vision tronquée et se laisse submerger par les passions mauvaises, la jalousie, les pulsions de mort. Il se reconnaît comme le méchant et s’étonne, lui, l’amoureux innocent, de sa métamorphose Pourquoi ? Mais pourquoi ? ». La question ne l’arrêtera pas. La réflexion présente en coulisses, pas plus que les avertissements des spectateurs ne peuvent arrêter Othello. Il se précipite sur Desdémone, qui ne se prête plus, comme pour la première gifle reçue, au jeu sado-masochiste soufflé par le marionnettiste, ou peut-être ne s’y prête-t-elle que trop, pour accomplir son destin, comme Othello ou Iago doivent accomplir le leur. Tous trois tiennent un rôle, sur la scène ou sur le grand théâtre du monde. 10 Les spectacles traditionnels des pupi siciliens ou napolitains puisent dans le répertoire chevaler ... 28C’est alors que les spectateurs, mis en scène par Pasolini, envahissent la scène, en un charivari carnavalesque, pour éliminer les méchants de l’action, Othello et Iago, et sauver les gentils, Cassio et Desdémone. Cassio est porté en triomphe par les hommes, Desdémone réconfortée par les femmes. Dans le désordre apparent, l’ordre du monde est restauré le blanc Cassio triomphe du noir Othello, même si, malgré les allégations du texte dit par Iago, la marionnette de Cassio est vue par le spectateur laid et benêt. Quant à Desdémone, par son attitude, à la fois infantile et soumise, dans la dernière partie de la représentation, elle participe à l’ordre sexiste du monde. Dans le désordre qui règne sur la scène, n’est-ce pas l’ordre petit bourgeois qui fonctionne ? La confusion apparente et son sens réel sont soulignés par le comique de l’accompagnement musical l’air joué par les mandolinistes est relayé par un orchestre extra-diégétique qui interprète un morceau de La Vie parisienne d’Offenbach. L’intervention des spectateurs sur la scène est bouffonne mais son sens est certainement plus idéologique qu’il n’y paraît. Le comique pour le spectateur de cinéma est à plusieurs niveaux le rire enfantin d’une participation au spectacle des spectateurs de théâtre de pupi ; le sourire devant la naïveté de spectateurs populaires qui se laissent prendre à l’illusion comique. Mais cette naïveté n’est pas réaliste au théâtre de pupi les spectateurs savent la règle de non-franchissement de la frontière qui est la limite entre la salle et la scène ; les spectateurs s’amusent à participer... et ils viennent, habituellement, voir un spectacle dont ils connaissent la trame dramatique. Que les théâtres de pupi représentent traditionnellement des adaptations d’épopées qui mettent aux prises chrétiens et sarrasins ou turcs par exemple et non Othello, n’enlève rien à l’irréalisme total d’une telle intrusion. Évidemment, les spectateurs prennent bruyamment parti pour celui qui est le héros de la geste épique contre son opposant, et l’on comprend qu’ils participent avec autant d’empathie au drame d’Othello. Mais les spectateurs populaires italiens connaissent parfaitement la fable d’Othello, non, peut-être, à travers la nouvelle de Cinthio ou la pièce de Shakespeare, mais par l’opéra, celui de Rossini ou celui de Verdi. En principe, ils sont venus voir le méchant Iago, le tragique Othello et la touchante Desdémone, jusqu’à leur fin inéluctable. Pourquoi Pasolini fait-il jouer aux spectateurs ce détournement à la fois carnavalesque et lié à l’opéra-bouffe ? Les spectateurs refusent l’issue tragique. Évidemment, la tragédie d’Othello naît du basculement du personnage de l’héroïsme pur dans la passion jalouse car le personnage est incapable de lire correctement les signes grossiers que lui montre Iago. Contaminé par Iago, Othello incarne le mal pour les spectateurs, et cela pourrait déclencher seul la fureur de ces derniers ; mais n’y a-t-il pas dans le film, comme dans la pièce telle qu’elle peut être perçue, les préjugés raciaux et les stéréotypes sexistes qui se superposent à l’horreur du crime. Les spectateurs entraînent dans la mort aussi bien Iago, l’instigateur, qu’Othello, son instrument le drame à résonance tragique est dévoyé dans une bouffonnerie où triomphe un Cassio qui devrait être aussi laid et benêt pour le spectateur des pupi que pour celui du cinéma et une Desdémone devenue bien mécanique dans son comportement. Ils ne sont que des marionnettes porteuses de fausses valeurs, auxquelles les spectateurs des pupi10 semblent croire et qu’ils semblent vouloir défendre. Le noir ne peut qu’être le méchant, le blanc, le bon. Cassio porté en triomphe par les spectateurs mâles et Desdémone sauvée des mains de Iago et ranimée par les femmes, n’est-ce pas l’ordre des blancs et celui de la répartition des sexes qui s’instaure au sein du désordre de la scène, triomphe d’une idéologie que souligne la musique d’Offenbach ? C’est la musique d’Offenbach qui amène le spectateur du film à saisir le comique satirique. 29La tragédie annoncée n’est pas là où l’on croit... Le dépassement d’un certain tragique par le salut de Cassio et de Desdémone et la mise à mort d’Othello et de Iago n’amènent pas la joie mais simplement un étourdissement comique, lié au spectacle du mélange de la vie et du théâtre. Pourtant, mais d’une manière radicalement autre, cette mort est nécessaire, mais dans une dimension qui n’est plus celle du drame shakespearien. Sont mortes les deux marionnettes qui se posaient en coulisse des questions sur leur être propre, sur les pulsions qui pouvaient les pousser à des actions qu’ils n’arrivaient pas à comprendre en eux-mêmes et en l’autre. Le montreur de marionnettes n’était qu’un créateur factice qui donnait des réponses, mais incomplètes, tronquées la piste freudienne n’atteint pas le secret de l’être. Le passage par la mort du personnage et de sa marionnette va peut-être amener à la surface ce qui est de l’ordre du secret, sensible mais indicible. Cela se fera d’abord à travers le lamento tragique des marionnettes se retrouvant dans l’entrepôt comme dans la première séquence. Desdémone et Cassio, Bianca, Brabantio et Roderigo pleurent sur la mort de leurs compagnons. Dans ce théâtre de pupi, à la fin du spectacle, les morts ne se relèvent pas. Dans l’intrusion carnavalesque des spectateurs mettant à mort des marionnettes, le spectateur de cinéma aurait pu croire à une mort en effigie. Mais le double statut du spectacle qui fait des marionnettes des êtres de chair empêche un retour à l’ordre rassurant. La présence de l’éboueur et sa chanson entérinent son rôle du psychopompe tel que Totò-Iago l’avait expliqué à Ninetto-Othello. Le plan qui les montre démantibulés dans la poubelle, les renvoyant par le nom inscrit dessus au statut d’immondices et non pas de morts, contredit le ton élégiaque du lamento des marionnettes et la mélancolie de la romance chantée ; et le regard éteint et étonné de Totò crée à nouveau une distance comique, farcesque, dans le jeu entre l’artificiel et le naturel. L’élégie et la farce co-existent. 11 La lecture allégorique possible est soulignée par le décor en forme de blason énigmatique de l’arr ... 30Cette tension sera maintenue dans la dernière séquence jusqu’aux tout derniers plans, dans l’alternance des plans rapprochés de l’éboueur dans sa cabine et des plans qui montrent en plongée, à l’arrière du camion, les deux marionnettes secouées par les vibrations du moteur et de la route. L’éboueur chante toujours sa romance mélancolique alors qu’ironiquement la Vénus au miroir accrochée dans sa cabine reste éternellement –d’une éternité de papier glacé en train de se décolorer– indifférente à tout, sauf à elle-même. Totò et Ninetto jouent dans le registre comique leur rôle de pantins impuissants. Pasolini, leur redonnant le statut d’objet que le lamento tragique des camarades leur avait enlevé, introduit ainsi des gags en contraste avec la mélancolie... En même temps, la vivacité des regards transcende la frontière objet/sujet ou mort/vie. Ce mélange détonnant doit autant à Shakespeare qu’au burlesque des premiers temps du cinéma mais s’inscrit dans la modernité comme une de ses grandes allégories. Quand le camion s’arrête au bord de la décharge, pris en contre-plongée du fond des immondices pour le détacher sur un ciel blafard, le rire farcesque s’arrête. Les deux corps sont jetés aux ordures comme dans un charnier. Même s’il est fait de fleurs décomposées, de débris, d’objets en plastique au rebus, l’image est forte, devenant une allégorie11 de la violence et de l’horreur modernes. Le comique pasolinien semble buter contre l’horreur, le non-sens. L’humour noir serait-il le dernier recours contre l’absence apparente de sens ? Pasolini rejoindrait-il Beckett ? 31Il faudra deux cadrages inversés pour que l’ouverture puisse se faire la plongée sur Totò et Ninetto encore secoués par leur chute révèle sur leur visage la présence du soleil, le frémissement de la vie, l’esquisse d’un sourire, d’une dilatation du souffle puis d’un rire, d’un sourire épanoui la contre-plongée déploie le ciel et ses merveilleux nuages. Les regards et la joie de Totò et Ninetto communiquées aux spectateurs, Pasolini peut quitter ses personnages et laisser le spectateur, seul mais relié, à la contemplation de la merveille de la création, de la merveille qu’est la création. 32Le rire pasolinien s’enracine dans les traditions populaires italiennes, et renoue ainsi avec une tradition qui a été celle du théâtre baroque, de Shakespeare à Calderón sans pourtant perdre son ancrage dans la modernité baudelairienne et post-baudelairienne du parcours du cinéaste du rire comme expulsion des humeurs du corps au rire émerveillé de la poésie du réel. 33Le ciel vu de la terre. La rencontre pasolinienne de Totò et Ninetto doit se clore ici. D’autres chemins sont à parcourir pour Pasolini, mais il ne peut aller plus loin dans le cycle. Une trilogie se termine par la réponse à la question posée par le titre du film. On peut ne pas connaître le sens d’un mot, la merveille d’une perception appellera le sourire et le rire émerveillés. On peut connaître le nom de la chose. À qu’est-ce que les nuages ? », quelle chose est-ce ? » la réponse est uniquement dans ce sourire et ce rire, qui dit la merveille de la création... La parole de Totò est redondance par rapport à la réaction des deux marionnettes ; mais l’homme a besoin de mettre un nom sur les choses du réel, de commenter sa propre perception ; ici la parole est vraie car elle est enracinée dans le corps, elle est ce qui accompagne la joie du corps pour exalter l’expérience de la merveille merveille créée par un dieu ou la nature naturante, peu importe, merveille que peut créer l’acte créateur d’un homme, merveille qui peut naître à partir des décombres, des détritus, de la pourriture et de la mort les nuages éphémères et éternels comme la vie des hommes, ou celle des marionnettes, comme les œuvres de Shakespeare ou de Calderón, comme la musique de chambre qui s’élève sur la vision, comme la trace, fixée dans la durée par la pellicule filmique, de nuages qui passent. Ces nuages sont vus par la caméra semi-subjective libre hantée par le regard des deux pupis devenus eux-mêmes et non plus les personnages d’Othello et de Iago, dont ils portent tout de même encore le souvenir. Mais ce n’est pas en tant que personnages, mais en tant qu’individus souffrant, doutant, vivant, mourant, dont le regard vient hanter à son tour celui du spectateur. La présence de la musique de chambre encore parodique ? porte le comble à l’esthétisation du réel et double l’événement visuel par l’événement sonore. Nous ne sommes plus au XVIIIe siècle ou au début du XIXe siècle, pas plus qu’au siècle de Vélasquez, où l’art semblait participer à la fois de la jouissance esthétique et de l’élévation spirituelle, même si il était déjà miné de l’intérieur par le ver rongeur de l’esprit qui doute et qui nie, par les concessions faites au Monde comme théâtre des passions, aussi bien politiques que personnelles. Pasolini, à la fin du film, fait participer le spectateur à une expérience qui est celle d’un retour amont, vers ce qui s’origine dans la simple présence du monde, même si c’est du fond de la misère, des déchets. L’élévation dans le retournement du regard, du bas vers le haut, un regard qui n’est pas arrêté par les cintres factices du dispositif théâtral, mais qui peut percevoir les espaces éthérés qui ne prennent toute leur profondeur et leur mouvement que grâce aux nuages, là-bas, les merveilleux nuages. L’élévation est porté par le regard émerveillé, par ce rire et ce sourire de Totò et Ninetto qui rient et sourient de tout leur corps. 12 Quand dans La nouvelle jeunesse 1974, il revient sur les transformations radicales du monde dans ... 34Tragique traversé, romance et sens de l’éphémère emportés comme les ouvres de Vélasquez devenues affiches ou posters défraichis –affiches du début du film ou Vénus au miroir, pin-up accrochée dans la cabine du camion de l’éboueur, le comique lui-même, dans ce qu’il peut avoir de cruel ou d’imbécile, est transcendé d’abord par l’émotion de la mise à la décharge, figure des charniers du XXe siècle, mais aussi image de toutes les vanités... Si Pasolini s’inscrit dans la lignée de l’Ecclésiaste12, il mettra l’accent moins sur les imprécations que sur la possibilité de la joie malgré l’absence de rétribution par la renaissance des pupi, véritable naissance au réel et à sa poésie, avec comme médiateurs L’étranger de Baudelaire et la musique de chambre, Pasolini nous mène jusqu’au sourire et au rire innocent, celui qui tourne le dos au pseudo savoir pour nous faire participer à la saveur du monde. Sourire et rire du réel peuvent jaillir. Européens encore ? Certainement car ils sont le fruit d’un délestage qui n’a pu se faire qu’à partir d’un lieu, l’Italie et son ancrage européen, et d’un individu qui participe pleinement de la culture européenne. Universels sans doute puisque personnalisés et incarnés. 13 La meilleure jeunesse 1941-1953, recueil repris dans La nouvelle jeunesse, op. cit., p. 1. 35Cette poésie de la réalité, au-delà de la souffrance ou du plaisir, est expression de la joie. Cette joie a trouvé son expression dans les poèmes de l’aube des troubadours. Le joy » d’amour des troubadours est le sentiment et l’expression conjoints de ce que tente de dire, avec le langage de la réalité qu’est le cinéma, Pasolini. En tout cas, c’est par cette clef pour nommer sa quête à la fois existentielle et créatrice que Pasolini conclut les longs entretiens qu’il a eus avec Fieschi pour Pasolini l’enragé. Cette joie est peut-être celle qui naît malgré l’exil, dans l’espace ou le temps, dans cette vie même habitée par la mort ; cette joie, chantée par le troubadour Peire Vidal et mise en exergue par Pasolini à son premier recueil en langue frioulane13 14 J’aspire avec mon haleine /L’air qui me vient de Provence./ J’aime tout ce qui vient d’elle. » e ... Ab l’alen tir vas me l’aireQu’en sens venir de Proensa Toi quant es de lai m’ no pot lo jorn maltraireQu’aja de leis sovinensa,Qu’en leis nais jois e comensa14. 15 Si Pasolini continuera à se battre pour qu’advienne cela, son regard sur l’évolution du monde se f ... 16 Référence au Prière d’insérer » cité à la note 13 en reprenant les poèmes de La meilleure jeun ... 36L’œuvre de Pasolini, et particulièrement Che cosa sone le nuvole ?, nous invite à une traversée du tragique par le rire, et à une traversée des formes de comique ou de rire et de sourire. Par sa vigueur poétique, elle montre que les passions et la douleur –et même la mort– peuvent être, elles aussi, traversées... Pasolini aurait-il trouvé dans ce film bref, intégré à une production d’époque, le secret de l’œuvre comique dont il rêvait ? Dans Che cosa sone le nuvole ? le cinéaste peut affirmer encore que, du fond des immondices, et immondices parmi les immondices, des êtres peuvent aspirer avec leur haleine, l’air qui souffle des nuages, du ciel, et insuffle la Joie. Nouvelle naissance. Poésie de la présence15. Réalité ou illusion de la réalité ? L’éternel retour semble encore possible, avant que ne soit brisé l’œuf orphique16. dimanche 2 janvier 2022 Excellente année 2022 Publié par Lune Tags WTF 13 commentaires Baroonadimanche, 02 janvier, 2022On a le droit qu'à un seul chocolat ? 😦 Que Griaule te soit favorable en 2022 !RépondreSupprimerRéponsesLunelundi, 03 janvier, 2022Tu as droit à TOUT LE CHOCOLAT !!! Bisous !!SupprimerRéponsesRépondreRépondreDFdimanche, 02 janvier, 2022Merci pour tes voeux savoureux! Je te souhaite également une excellente nouvelle 03 janvier, 2022Merci !SupprimerRéponsesRépondreRépondreFrey jean pierredimanche, 02 janvier, 20222022 sur la route des nouvelles dickiennes je m'y mets vous m'éclairerez et merci pour vos avisjean pierre freyRépondreSupprimerRéponsesLunelundi, 03 janvier, 2022Excellente idée !! Bonnes lectures !SupprimerRéponsesRépondreRépondrecelindanaelundi, 03 janvier, 2022Bonne année à toi aussi plein de belles découvertes et de 04 janvier, 2022De même ! SupprimerRéponsesRépondreRépondreshayamardi, 04 janvier, 2022Très bonne année licornesque à toi aussi ;RépondreSupprimerRéponsesLunejeudi, 06 janvier, 2022MerciiiSupprimerRéponsesRépondreRépondreXapurmercredi, 05 janvier, 2022Licornanée !RépondreSupprimerRéponsesLunejeudi, 06 janvier, 2022🦄🦄🦄 à toi aussi ! SupprimerRéponsesRépondreRépondreAnonymemardi, 11 janvier, 2022Ce commentaire a été supprimé par l' un commentaireCharger la suite... Article plus récent Article plus ancien Accueil Inscription à Publier les commentaires Atom Pages vues C’est l’histoire du roi sous la lune. C’est la nuit et la lune brille. Girafe, Serpent, Tigre, Zèbre, Coq et Cygne qui passent par-là, voient un drôle de personnage sous la lune. Il a une couronne, dit Girafe. Il a une couronne, répètent les autres en cœur. C’est un roi, dit Girafe. C’est un roi, répètent les autres en cœur. Vive le roi, crie Girafe. Vive le roi, répètent les autres en cœur. Ils se mettent à danser tous ensemble…Réalisateur Eric Omond / Jean Christophe PrudhommeProducteur JLA ProductionsAnnée de copyright 2015Année de production 2015Publié le 01/07/16Modifié le 16/03/20Ce contenu est proposé par CONTE – Dès 5 ans de Bérengère COURNUT, illustré par Donatien MARY Editions 2024 – 19€ Un drôle de petit personnage a entendu l’histoire que le papa d’Anathilde lui racontait avant de fermer la lumière. Il fait soudain irruption dans sa chambre par la fenêtre entrouverte… Il est furieux et affirme que contrairement à ce que disait le papa, la lune n’est pas déserte puisqu’il en est le roi !… Et pour le prouver il entraîne la fillette dans sa Plusée » en direction de la lune et des lunarrs… Un voyage pour lequel Anathilde est mise à contribution, mais qui s’avère époustouflant… Elle découvre un monde où l’on se déplace en bateau d’île en île. Chacune est consacrée à un jouet île aux peluches, île aux poupées… Mais d’où viennent ces jouets ?…. Elle va s’en apercevoir en suivant le roi de la lune à la recherche d’un modèle de locomotive très rare. Un train que le roi de la lune rêve de posséder, mais qui est en la possession d’un jeune garçon… Un personnage étrange, capricieux, colérique et antipathique, à la tête en forme de planète vérolée et au ton agressif; une fillette en quête d’aventure qui le suit d’abord avant de réagir. Des illustrations loufoques et très gaies porteuses d’imaginaire. Une mise en page dynamique dans laquelle le texte en écriture cursive participe avec la taille de sa police et sa mise en forme dans la page. Un album original, irrévérencieux et réjouissant ! News Bandes-annonces Casting Critiques spectateurs Critiques presse Streaming VOD Blu-Ray, DVD Photos Musique Secrets de tournage Box Office Récompenses Films similaires note moyenne 4,5 75202 notes En savoir plus sur les notes spectateurs d'AlloCiné Votre avis sur Le Roi Lion ? 1 129 critiques spectateurs 5 803 critiques 4 220 critiques 3 55 critiques 2 22 critiques 1 13 critiques 0 16 critiques Trier par Critiques les plus utiles Critiques les plus récentes Par les membres ayant fait le plus de critiques Par les membres ayant le plus d'abonnés Aujourd'hui, certains films d'animation Toy Story 3, Là-haut, pour ne citer qu'eux ... font encore des merveilles. Mais faut se l'avouer ... si y'a une part de nostalgie qui joue dedans, j'ai quand même du mal à retrouver la grandeur du Roi Lion dans les films d'animation d'aujourd'hui. Ce dessin animé-ci est une perle. Pour ma part c'est mon préféré, mais j'avoue que je suis pas trop connaisseur du bestiaire de Disney, même si j'ai eu droit à mes quelques classiques quand j'étais petit. Aujourd'hui, le Roi Lion est une œuvre intacte. Oubliez les niaiseries déconcertantes de certains dessins animés, les films d'animation restreints aux moins de 10 ans. C'est une perle, une réussite atemporelle d'émotion, de liberté, d'enchantement, d'intensité. Tout le monde peut y trouver son compte ; il y a même l'un des méchants les plus badass de l'histoire du dessin animé, au sein d'un drame familial fort. On traine dans le dessin animé toujours adapté au public, sans trainer dans la guimauve, avec même ses propres moments de noirceur. Cadencé par une BO épique et des chansons cultes Celle de Scar est simplement redoutable, Le Roi Lion dispose d'un doublage VF excellent, ce qui est rare à dire. Au final, au milieu de tous ces personnages intéressants, dur d'admettre qu'on puisse ressortir indemne d'un tel dessin animé. La puissance viscérale de Disney a encore fait un bijou qui, 18 ans plus tard, reste gravé dans notre génération. Hakuna Matata tout le monde ! Voici le film considéré par beaucoup comme étant le meilleur Disney de tous les temps "Le Roi Lion". Dès sa sorti en 1994, ce dessin animé a eu un immense succès mondial et français, et c'est absolument mérité ! "Le Roi Lion" est sans conteste l'un des plus beaux chef-d'œuvres du studio aux grandes oreilles. La recette est simple et a depuis été copiée à de très nombreuses reprises des personnages attachants, des décors somptueux dessinés à la main, des musiques et chansons belles et faciles à retenir et bien sur une histoire émouvante et drôle à la fois. "Le Roi Lion" cumule tous ces ingrédients et les mélange pour en faire un magnifique film comme il n'en sort plus. Pour ce qui est des personnages attachants, Simba l'est à 100%, comme Timon et Pumba. Les décors sont évidemment d'une beauté à couper le souffle, on se croirait en Afrique du début à la fin. La musique est composée par un inconnu à l'époque, un certain Hans Zimmer Il était aidé par un chanteur célère, un certain Elton John. Les chansons sont toutes merveilleuses, tout le monde a un jour chantonné "Hakuna Matata". Enfin, pour ce qui est de l'histoire, elle est simplement parfaite. On suit Simba de sa naissance à sa vie adulte, on pleure à chaque fois qu'on revoit le film les connaisseurs sauront de quelle scène je veux parler et on rit aussi notamment grâce au duo Timon et Pumba. A noter une VF excellente avec Jean Reno en Mufasa et Emmanuel Curtil voix de Jim Carrey en Simba adulte. "Le Roi Lion" est assurément le meilleur des Disney. HAKUNA MATATA ! " le roi lion " très grand classique des studios Disney . L'histoire se déroule sur les hautes terre d'Afrique ou règne un lion tout puissant nommer mufasa qui règne sur tout les animaux de la savane . Les animaux de la jungle le respectent et l' admirent pour sa sagesse et sa générosité. Son jeune fils Simba sait qu'un jour il lui succèdera . Mais scar le frère de mufasa rêve depuis toujour de monter sur le trône . Il va alors comploter contre mufasa et Simba pour devenir roi ... " le roi lion " est sans conteste l'un des meilleure films des studios Disney et l'un des plus grands film d'animations tout cour . Le roi lion connu un succès planétaire lors de sa sortie en 1994 il y a 20 ans déjà pour devenir le dessin animée le plus rentable de tout les temps a l'époque . Rien qu'en France le film a attirer plus de 10 millions de spectateurs . L'histoire est très prenante . Un film a la fois drôle et émouvant . Les personnages sont très attachant . L'animation est très réussit. Les dessins sont superbes , vraiment magnifique et très détaillé . Les terres d'Afrique sont superbement bien dessiné . On s'y évade avec plaisir . Sans oublier une bande son magnifique remplit de chanson culte c'est l'histoire de la vie , hakuna matata ... qui donne la pêche avec nottament la superbe chanson de elton jonh . Un dessin animée qui a bercer mon enfance comme pas mal de gosses de ma génération qui on grandit dans les années 90 . L'une des plus belle réussite des studios disney . Le Roi Lion est, et personne ne pourra jamais le nier, le meilleur dessin animé Walt Disney de tous les temps!!!!!!!!!!!!!! Peut-être même le meilleur film d'animation de tous les temps!!!!!!!!!!!!!!!!!! Vous me connaissez ou peut-être pas , je suis complètement gaga de Disney, je suis un immense fan et j'apprécie chaque film d'animation original des studios en question qui sort au cinéma!!!! Et comme beaucoup de monde, s'il y a bien un Disney qui nous a tous marqué pendant de longues années, même encore aujourd'hui, c'est Le Roi Lion!!!!! Alors, premièrement, l'animation est époustouflante!!!!!! Avant tout grâce aux couleurs particulièrement maîtrisées et qui nous donnent une image resplendissante de la savane africaine!!!! Et comme dans chaque Disney, ce qui fait avant tout le charme des personnages, c'est bien entendu l'originalité et le style du design, et c'est encore le cas ici!!!! Simba est presque devenu un symbole pour chaque personne existant au monde! Qui d'entre nous ne pense pas à Simba en voyant un lionceau ou même juste un lion?! On craque pour lui dès les premières secondes où il est dans les pattes de sa mère Impossible donc de ne pas s'y attacher quand il est enfant! Et même adulte, son physique est impressionnant et lui aussi culte! Pour Nala, bravo Disney! Vous avez réussi à me faire bander sur une lionne dès mon enfance! Et dessinée en plus!!! Encore un design de toute beauté! Scar a également un design culte, qui ne pense pas à Scar en voyant un lion avec des poils noirs? Ce parti pris par Disney en fait un look brillant! Et pour les personnages secondaires, ils sont tous très riches en couleur! Comme Timon, Pumbaa, Rafiki ou encore Zazu! Les effets numériques rajoutés à l'animation 2D garantissent également le spectacle!!! Cela donne de magnifiques effets de lumières sur plusieurs plans lors des chansons!!!! Mais maintenant que j'ai traité de l'animation, parlons du VRAI, DE L'ÉNORME, DE L'IMMENSE point fort du Roi Lion LA MUSIQUE DE HANS ZIMMER ET LES CHANSONS D'ELTON JOHN!!!!!!!!!!!!!!!!!! Bordel de merde!!!!! Voilà la plus grande musique jamais composée pour un film d'animation!!!!!! Je me souviens de chaque morceau de chaque moment à chaque seconde!!!!! Tous les thèmes qu'a créé Hans Zimmer pour Le Roi Lion sont inoubliables!!!!!!!!!! Tellement puissants et tellement forts en émotion!!!!!! Le Roi Lion est, si ça se trouve, la meilleure musique qu'a jamais composé Hans Zimmer!!!! Et que dire des chansons!!!! " L'Histoire de la Vie " fait démarrer le film par un flamboyant défilé d'espèces animalières d'Afrique et nous annonce immédiatement que ce dessin animé va tout repousser!!!! " Je voudrai déjà être roi " a un rythme d'enfer! " Soyez prêtes " est une chanson de méchant géniale!!! " L'Amour brille sous les étoiles " est une chanson destinée à l'amour entre Simba et Nala juste magnifique et parfaitement orchestrée! Et bien entendu, comment ne pas parler d'une des chansons les plus cultes de notre histoire " Hakuna Matata "!!!! Voilà une chanson qui mérite son succès aussi populaire! Grâce à son rythme endiablé et à sa mélodie bluffante d'inventivité, il est impossible de ne pas l'adorer à moins de n'avoir aucun goût!!!!!!! Une bande originale qui restera parmi les plus grandes de l'histoire du cinéma!!!!! Aucun souci côté doublages français! Emmanuel Curtil, Jean Reno, Jean Piat, Sybille Tureau, Michel Elias, Jean-Philippe Puymartin, Med Hondo, Michel Prud'homme, Marie-Christine Darah, Michel Mella, Dimitri Rougeul. Tous méritent d'être cités pour leurs performances exceptionnelles!!!!! Et en ce qui concerne l'histoire, l'humour et l'émotion, Disney ne nous a jamais autant gâtés!!!!!! Grâce à des personnages très charismatiques Simba et Nala forment un couple Disney excellent, Scar est un méchant tellement impitoyable et machiavélique qu'il en est incroyablement intéressant, Timon et Pumbaa sont 2 comparses inoubliables, Rafiki est un sage complètement loufoque et donc très appréciable, tout comme Zazu qui est bien sympathique, les hyènes sont très marrantes et Mufasa a une posture et une carrure si fortes qu'il est captivant, un peu comme Le Grand Prince dans Bambi. Aucun problème sur l'humour, Disney a su trouver le juste équilibre entre humour pour enfants et humour pour adultes, il y en an donc pour tout le monde! Et on rira très souvent!!!! Mais on sera également très souvent la larme à l'oeil!!! Avant tout quand Mufasa meurt sous les yeux de Simba et que Simab essaie de le réveiller!!! J'ai fait le tour. Je pense donc je suis même sûr que mon avis est similaire à celui d'une immense majorité de spectateurs. En même temps, ceci est l'apothéose des productions Disney!!!!! Le Roi Lion a été, est, et restera à jamais le dessin animé le plus brillant qu'on ai vu au cinéma!!!!!! Le Roi Lion ! 32ieme film d'animation, le deuxième plus grand succès Disney le premier étant Blanche-Neige ainsi que l'apothéose du second age d'or ! Ce film a marqué les générations à vie et rare sont les Disney capable d'un tel exploit. Inspiré d'Hamlet avec des références au Roi Léo, l'histoire va vous transporter dans l'univers de la savane pour vous expliquer le but du Cycle de la Vie !Simba Il est difficile de le décrire puisqu'il vient juste de naitre, je dirais que nous les spectateurs sommes Simba jeune puisqu'on découvre avec lui la Terre des Lions. On y apprend avec lui les traditions, les règles et le fonctionnement grâce à son paternel, Mufasa. Puis lorsque Simba sait ce qu'il veut devenir, on se détache de lui pour suivre sa propre évolution. Et un bravo pour Emmanuel Curtil pour sa Grand monarque tout puissant, incontesté et roi soleil ! Euh, on dirait l'allégorie animale de Louis 16 ?! Bon, revenons à nos gazelles. Il est comme père pour nous aussi puisqu'il nous enseigne tout ce qu'on doit savoir. Un père, qui comme avec Simba, nous avertit du danger, nous aime et nous protège. Au final, on a une grosse sympathie pour ce personnage. C'est à ce moment où on considère Mufasa comme notre père que Disney tente pour la première fois dans le monde de l'animation Montrer un personnage mourir !! Vous vous souvenez de la mère de Bambi, c'est exactement pareil sauf que là, on vous la montre prendre la balle et s'écrouler ! Cette scène forte de sa mort qui suit directement avec l'une des scènes les plus spectaculaire qu'est la Course des Gnous qui est un exploit grandiose est tellement intense qu'il est impossible de ne pas pleurer ! Le soleil de sa vie a laisser place à la nuit de Scar !Scar Si Mufasa était le côté majesté de Louis 16, Scar est sans nul doute le côté dictateur ! Sa grande force réside en son charisme et son intelligence machiavélique. Il a une telle fourberie dans ses gestes et son ombre qui grandit jusqu'à révéler son vrai visage que s'en est terrifiant. Le seul défaut de ce méchant qui pourrait facilement être dans les meilleures places d'un top, c'est qu'il est intéressant avant de devenir roi. Après son plan achevé, il devient une sorte de diva capricieuse. C'est dommage surtout qu'une scène coupée aurait pu esquiver cela. Normalement, il voulait épouser Nala, ami d'enfance de Simba, pour que son héritage perdure à travers sa lignée pour devenir immortel. Tout ça accompagné d'une reprise de Soyez prêtes ! Mais bon, c'est quand même un grand méchant avec une voix des plus envoutantes, merci Jean et Pumbaa Ils sont l'élément comique du film et niveau gag, c'est assuré notemment avec la scène d'imitation hawaienne. Bon, ça dépasse pas les pitreries du Génie mais c'est deux là on réussit à avoir une série et un film à eux tout seul ! En plus, Puymartin et Michel Elias forment un duo du Dans toutes histoires, il y a chaque fois un gourou ou un sage un peu maboul, mais là, ce babouin atteint un niveau qui fait rire tellement c'est génial. Med Hondo sait très bien interprété les rires excentriques. La particularité de ce sage c'est que quand il explique une chose philosophie, il la démontre comme "on apprend de ses erreurs et du passé".Le vieux Rafiki l'exprime si bien, de même pour Timon de manière plus cool le message du film est "le passé, c'est du passé ! Sans pour autant oublier qui on est !"C'est face à cela que Simba doit faire face, il a la mort de son père sur la conscience et donc il rejette son sang, il rejette son identité pour en forger une nouvelle en suivant une nouvelle voie. Et comme on ne peut revenir en arrière, on peut soit fuir ou se battre. La première est certes facile mais douloureuse alors que la deuxième est peut-être difficile mais au moins, on est fier d'affronter ses beau message ....Si c'était Simba lui-même qui tuait son père par accident bien sur mais là, c'est Scar donc Simba s'est culpabiliser pour rien !Animation Un succès aussi conséquent qu'est le Roi Lion, l'animation d'une extrême qualité est aussi au rendez-vous ! J'ai du mal à critiquer puisque Disney ne fait quasiment aucune erreur dans ses classiques. Rien que la scène d'ouverture montre le talent avec l'animation de plus d'une dizaine d'animaux Savane, Cimetière d'éléphant, Jungle exotique. C'est l'Afrique !! Toute la beauté de la savane africaine est représenté dans toute sa splendeur. Même les ossements du cimetière sont si bien illustrés qu'on a des frissons. Et la jungle est un véritable paradis ! C'est classique mais j'aime bien comme quoi la Terre des Lions change d'ambiance avec la lumière de Mufasa et l'obscurité de Que ce soit les chants,les instruments et le rythme, on se sent transporté par les mélodies Cycle de la vie Introduction à l'univers du film en nous balançant directement les chants africains. C'est un tout autre monde qui s'ouvre à nous avec ce soleil levant. Le titre de la chanson nous indique aussi bien l'un des messages du film. Je voudrais déjà être roi D'abord, sachez que Mufasa devait avoir sa chanson montrant toutes les responsabilités, les pouvoirs du roi ainsi que le respect du peuple envers lui. Cette chanson a été coupée mais je trouve qu'elle aurait pu être gardé car après une telle démonstration des privilèges d'un roi, Simba aurait été tout excité à l'idée de vite devenir roi à son tour. Ca aurait donc une meilleure justification pour qu'il chante son envie. On remarquera que le décor devient plus coloré et plus fantaisiste, c'est normal puisqu'on est dans l'esprit de Simba qui est encore jeune imaginant les animaux plus cartoonesque lui Prêtes la célèbre chanson de Scar où il expose ses idéaux. A certains moment, Scar s'apparenterait à Hitler ! Cette chanson a des allures de discours comme ceux du fureur, c'est à la fois puissant, mémorable avec une excellente mise en scène avec l'ascension de Scar pour avoir un plan face à la lune montrant qu'il est roi de la nuit et qu'elle va bientôt s'abattre sur le Matata Voulant dire "il n'y a aucun problème". Devise qui deviendra celle de Simba qui a renié son ancienne vie et donc ses traditions. C'est la chanson de la solution "fuite".L'amour brille sous les étoiles Autant c'est mignon de voir deux gros chats ronronner autant cette chanson est dispensable. Désolé mais le Roi Lion est une histoire de trahison, de combattre son passé et non un histoire d'amour. Pour ma part, ça aurait mieux fonctionner si Mufasa avait raconté à son fils comment il a rencontré sa femme dans un petit coin de paradis. Si on suit le thème du Cycle de la vie comme quoi tout n'est qu'un cercle qui tourne en répétant les même geste comme la course du soleil ou la chaine alimentaire. Ben, Simba reproduirait la même chose avec Nala et justifierai donc l'ambiance romantique des Joie et humour avec le duo comique ainsi que la jeunesse de Simba, grande tristesse avec la mort de Mufasa et frissons avec Scar au début et les hyènes qui deviennent effrayantes vers la finAvis personnel Malgré quelques points qui affaiblissent certaines choses, cela reste du grand L'un des meilleurs film d'animation de l'Histoire et cela pour des siècles. Un très beau dessin animé qui nous entraîne dans une savane africaine aux couleurs chatoyantes. A la fois belle, drôle et émouvante, l’histoire passionne et enchante. Les personnages, exclusivement des animaux, sont tous très travaillés et attachants. Une jolie réussite qui s’appuie également sur une merveilleuse bande originale interprétée par Elton John. On y retrouve la grandeur et la magie des premiers Disney ! Un classique indétrônable ! S'il ne fallait retenir qu'un seul Disney ce serait évidemment celui-là. Le Roi Lion est un film splendide, porteur d'une histoire et d'une morale universelles. C'est aussi une prouesse technique au niveau des dessins. Impossible de retenir ses larmes face à un tel chef d'œuvre que l'on ne se lasse pas encore et encore de regarder ! Énorme succès critique et commerciale si bien qu'il est ressorti en 3D, Le Roi Lion est l'un des films du genre qui ont rapportés le plus d'argent. Nominé aux Oscars pour ses chansons, ce film d'animation est considéré comme culte ! Mais ce long-métrage d'animation n'est-il pas juste chef-d’œuvre parmi tant d'autres sorties durant la même période ? Bien sur que NON ! Le Roi Lion fait parti de ces chef-d’œuvre qui se démarquent si bien qu'il fait parti des 10 meilleurs films d'animations au monde et que c'est l'un des 2 meilleurs Disney jamais réalisés selon moi ! Le meilleur point du film, et tout le monde est d'accord là-dessus, c'es l'extraordinaire, la cultissime bande originale avec notamment les chansons The Circle of Life L'Histoire de la Vie, Be Prepared Soyez Prêtes, Hakuna Matata et Can you Feel the Love Tonight ? que j'ai trouvé émouvante, joyeuse, triste, énergétique ect... Le doublage, qu'il soit anglais ou français est vraiment super à vrai dire, je crois que c'est le meilleur doublage que j'ai entendu dans un film d'animation Disney. Le scénario est parfaitement et incontestablement bien ficelé ! Alors que dans certains Disney, les dialogues peuvent sembler un peux niais, dans ce film, ces derniers sont très bons. Le discours de propagande de Scar est une scène musicale qui a fait beaucoup polémique, personnellement, je ne sais pas trop quoi penser de ses références mais c'est sûr que Soyez prêtes n'est pas qu'une simple chanson, que c'est une scène osée qui aurait pu être modifiée lors du montage final . Pour ce qui est de l'animation, elle est énorme les paysages sont magnifiques, c'est vraiment du beau travail ! Alors en 3D malheureusement, je n'ai pas fait l'expérience de voir ce long-métrage en trois dimensions, si elle est bonne, le spectateur doit être sûrement être transporté dans la savane africaine ! Pour finir, les personnages sont attachants Simba enfant/adulte, Mufasa, Nala enfant/adulte, Sarabi, Rafiki, drôles Zazu, Timon et Pumbaa, crazy les trois hyènes Shenzi, Banzai et Ed et perfides Scar ; en un mot, ils ont tous été travaillés. Bref, pour tout les points positifs que je viens de citer et encore, il m'en reste en réserve si vous n'êtes pas convaincu, Le Roi Lion fait parti de ces films cultes des années 1990 voir absolument ! Le roi lion est le plus gros succès du studio disney animation. Le film datant de 1994 me fait regretter l'animation 2 d. L'animation est sublime dans son ensemble. Les expressions des personnages sont vraiment soignées ainsi que leurs mouvements.. Cependant, le scénario est assez basique et les chansons assez niaises surtout en français, malgré la bande original mélangeant musique africaine, flûte et violon de Hans Zimmer. Le film traite la thématique du pouvoir est de la succession héritage. On a bien vu que mufasa le roi Lion fait l'éloge de sa monarchie et de son territoire, à l'opposé de son frère scar qui représente la dictature des nazis. On remarque également que l'Amérique religieuse est toujours présente dans ce genre de films avec le baptême du lion, du singe spirituel. Un fim d'animation tout a fait acceptable qui est considéré comme un film culte de nos jours. 7/10 A mon humble avis,"le Roi Lion"1994n'est rien moins que le meilleur Disney de l'ère modernehistoire d'éviter de le comparer à d'autres chefs d'oeuvre du studio.Ceux de ma génération ont grandis du le voir une dizaine de connais les dialogues par coeur,et même les changements de ne pas y être sensible,même devenu adulte?Cette représentation imagée de la savane africaine et de ses animaux exotiques séduit toujours est flagrant que cet animé déborde d'inventivité,de virtuosité,d'humour et d' dessine en filigrane le poids d'assumer son héritage,de ne pas décevoir ses on peut aussi le voir comme l'irréversibilité de la chaîne animalière et jeune lionceau Simba,subira au forceps un apprentissage accéléré de la vie,après la mort de son père devra affronter son oncle fourbe,Scar,un des méchants les plus vils qu'on ait pu atteint des niveaux très élevés,notamment cette impressionnante séquence où un troupon de gnous sauvages dévale un bande-son est un festival de tubes en puissance,grâce au concours d'Elton John,avec "C'est l'histoire de la vie","Hakuna Matata" ou "Soyez prêtes".Le grand écart des émotions est effectué,et les personnages tous très typiques et référence immuable de l'animation 2D. Un Véritable Must. Aprés les incontournables Aladdin et La Belle & La Bête,Les Studios Disney frappe encore plus fort avec leur nouveaux Bijoux qui nous emmène cette fois dans les magnifiques savanes africaines qui changea a tout jamais l'histoire de l'animation. Pour Commencer la Mise en Scéne est Époustouflante grâce a des Graphismes stupéfiants ainsi que des Décors qui d'une beauté resplendissante et qui sont servi par une BO magique signée Hans Zimmer et Elton John qui signent des partitions musicales frémissantes mais également des Séquences Musicales Inoubliables comme Disney en n'a le secret. Ensuite l'Histoire est Captivante et magnifiquement Shakespearienne en parvenant a émerveillement tout au long des 1h30,ajouter a tout cela une sublime Introduction qui nous laisse sans voix en passant par quelques morceaux de Bravoure impressionnantes et puissante mais qui n'oublie pas pour autant son lot de Répliques devenus Cultes ainsi qu'une bonne dose D'Humour tout simplement Savoureux et par la même occasion une touche Dramatique qui manque pas de nous toucher au cœur dont notamment lors d'un des moments déchirants du long le film est rempli d'Animaux brillamment écrits et qui s’avèrent pour la plupart terriblement attachants dont le Doublage Français est Prodigieux tels que le personnage emblématique de Simba dont Emmanuel Curtil est formidable en prêtant ses traits a ce lionceau courageux et bienveillant, a ses cotés on retrouve le Charismatique et Sage roi Mufasa dont la voix de Jean Reno correspond merveilleusement au personnage sans oublier le frère de ce dernier en la personne du Perfide et Terrifiant Scar double par le grand Jean Piat qui excelle a merveille dans la peau cet antagoniste jaloux et manipulateur qui entre au panthéon des plus grands méchants Disney qui est accompagné de ses sbires que sont les Hyenes dont l’hilarant trio composer de Shenzi, Banzaï et Ed qui nous provoque quelques fous rires a chacune de leurs apparitions sans oublier d'autres personnages phares qui viennent fort heureusement prêter main forte a gouverner le royaume tels que l'irrésistible tandem former par Timon et Pumbaa ainsi que le sage Rafiki ainsi que le dévoue Zazu et la ravissante lionne Nala qui sont brillamment doubler respectivement par Med Hondo, Michel Elias,Jean-Philippe Puymartin,Michel Prud'homme et Sybille Tureau. En Conclusion,Le Roi Lion est incontestablement l'un des meilleurs Disney de la décennie en étant a la fois Majestueux,Hilarant,Émouvant et Épique dont le Succès Colossal est amplement mérite et qui mérite sans hésiter d'entrer au rang des plus grand classiques du cinéma d'animation a voir et revoir. Il m'a fallut attendre 21 ans avant de me décider à voir ce film d'animation considéré par certains comme le chef-d'oeuvre ultime de la maison Disney, le plus grand de tous les temps. Il faudrait que je revois les Disney de l'an 157 et même de la préhistoire pour m'en faire une idée. Pour le rythme, ça il y en a plus que ce qu'il faut. C'est du grand art. Itou pour les graphismes, couleurs et animation, même si on fait bien mieux aujourd'hui. Pour l'audio aussi c'est très bon, bien qu''il faut se coltiner plusieurs couches de chansons propagandistes. Et oui, dans la forme, tout est fait pour attirer. Sauf que, dans le fond, c'est horriblement manichéen! Un vrai Disney, quoi. Les gentils d'un côté, les méchants de l'autre. Puis on vous explique en long en large et en travers le système de la royauté. Un méchant Oscar ne sait pas diriger son royaume, un gentil Simba ou Mufasa si. Et on doit absolument prêter allégeance au gentil. En gros, tu nais autre chose que fils de roi, tu ne seras qu'un serviteur toute ta vie même si tu as les capacités pour en faire autre chose. Belle morale, non ?! Il y a 21 ans, j'aurais probablement apprécié sans trop me soucier de l'envers du décor. Mais avec l'âge, on ne voit plus les choses de la même manière. D'ailleurs, certains films de notre enfance et adolescence ne passent plus aujourd'hui. Ou bien juste pour la nostalgie. On vieillit, c'est certain. Mais on a facilement plus de recul et d'expérience pour faire la part des choses. Toujours cette aura autour du Roi Lion tout comme celle autour d'Aladdin, mais je ne comprends pas. C'est sympa oui d'accord mais ça ne casse pas des briques non plus, les chansons sont plutôt pénibles et la technique pas superbe en dehors de la séquence d'intro. Bref, un film d'animation correct qui usurpe très largement son statut de grand film Disney. Voyez et surtout lisez la version japonaise qui est l'originale de cette histoire si on zappe l'inspiration à Hamlet. Ecrite par Tezuka le père des mangas, bien plus riche et profonde que celle de Disney. Encore un Disney adoré étant jeune et que je ne peux plus regarder une fois adulte. Alors certes, c'est super beau et certaines scènes ont encore aujourd'hui vraiment de la gueule, parce que c'est super bien rythmé, parce que c'est remarquablement animé et parce qu'il y a une bande originale qui a vraiment du coffre... Mais quel enfer de voir ces satisfactions malmenée par tout ce que Disney peut faire de plus malsain ou horripilant. Et vas-y que je te claque des chansons en permanence... Et vas-y que je te multiplie les personnages grand-guignolesques qui font des grimaces et des prouts... Et surtout, vas-y que je te ressors des tiroirs les morales les plus réactionnaires du studio. Je suis désolé pour ceux qui adorent ce film et qui voient dans ces lignes l'un des pires parjures, mais pour moi cette intrigue est tout sauf un récit initiatique classique ! Ce film valorise en permanence le fait de se plier à l'autorité absolue, soit à celle du père, soit à celle du roi. Les choses ne vont jamais aussi bien que lorsqu'on se contente d'obéir aux ordres, de reproduire le modèle indéfiniment, sans rien n'y apporter de personnel ! Désolé, mais moi, constater qu'on me martèle durant tout le film qu'il n'y a que deux alternatives dans la vie ou la tyrannie de l'autorité illégitime, ou le despotisme éclairé des justes, moi ça me glace le sang. On a le droit de ne pas vouloir le voir, de rester sur l'image idolâtrée et innocente qu'on s'est faite de ce film étant jeune... Mais bon... Être critique à l'égard de ce qu'on a vu et adoré à un âge naïf, personnellement, c'est une posture qui ne me dérange pas du tout, et que j'ai même tendance à préférer... Voilà pourquoi je n'hésite pas à vous dire en guise de conclusion qu'on peut aisément se passer de ce "Roi Lion", surtout les plus jeunes... "Le Roi Lion" nous offre une belle animation, ainsi que de beaux décors. L'histoire est somme toute assez classique mais la VF est excellente, ainsi que les chansons interprétées une habitude des Disney. Un film agréable dont je n'ai jamais été fan mais qui reste un beau film surtout à notre plus jeune âge. Les meilleurs films de tous les temps Meilleurs films Meilleurs films selon la presse

le roi du rire est dans la lune